流星
欧文·佩恩（Irving Penn）是20世纪最伟大的摄影师之一，在拍摄了欧美文艺界的传奇人物、社会名流之后，在观念上开拓肖像摄影的新风格。最终，他自己也成为传奇的一员。佩斯画廊的香港空间于今年春天展出20余张佩恩具有代表性的时装摄影、人像摄影、人体摄影和静物摄影等，从中我们可以窥见佩恩的独特美学风格。被《时尚》挖掘
1917年6月16日，佩恩出生于美国新泽西州，1934年到1938年就读于费城博物馆工艺美术学院。俄裔设计师阿列克谢·布鲁多维奇（Alexey Brodovitch）是欧文·佩恩大学期间的导师，也是《时尚芭莎》（Harper's Bazaar）的美术总监。佩恩在毕业后，担任过他的工作助手，在《时尚芭莎》实习，并用画插图的工资买下一台禄来双反。几年后，他又加入了《时尚》（Vogue）杂志，却在1944年又离开，在意大利加入盟军参加了第二次世界大战。不知道他在战场上经历了什么，资料寥寥，但那台禄来双反是陪伴他军旅生活的伙伴。
战后，佩恩再度回到美国版《时尚》。1950年，他与名模Lisa Fonssagrives结婚，并渐将自己的兴趣从时尚摄影转移到肖像拍摄。受到美国摄影师沃克·埃文斯（Walker Evan）与法国摄影师尤金·阿杰（Eugene Atge）的作品的影响，佩恩开始大量拍摄肖像作品。此时，他的摄影作品风格趋于成熟。
佩恩最知名的一组名人肖像照，拍摄于工作室的一角。为此，他在工作室中布置了特别的场景，把模特置入由两面墙构成的一个三角狭小空间：无论是站立姿态优雅的杜尚，还是一脸肃穆、侧耳倾听的斯特拉文斯基，还是穿着对他而言明显不合身的大衣、跪在椅子上动作十分扭曲的卡波特，无一例外看上去都带着警戒和疲惫的神态。在1962到1994年间，佩恩担任康泰纳仕集团编辑总监、其事业导师和好友亚历山大·利伯曼（Alexander Liberman）形容他的照片有着让人“停驻的魅力”。
拍精英，也拍普通人佩恩在1957年为毕加索拍摄过一张照片，明暗对比强烈的肖像让毕加索活似一头愤怒老公牛，直直瞪着镜头，衣服和帽子完美地凝聚了观者的视线，将其集中在那瞪圆的眼睛上，另一只眼则藏在暗处。以这张照片为代表，这个时期佩恩的镜头离拍摄对象更近了，全身照变成了胸像或大头像。
1969年，名嫒玛丽莎·贝伦森（MarisaBerenson）首次以全裸姿態登上《时尚》杂志封面，造成轩然大波，谈到和佩恩的过往，她回忆道：“与他一起拍摄，你从来不会感到不舒服，因为你会感到好像在为波提切利或鲁本斯当模特，他实在太绅士了，所以你不会觉得自己在拍什么很露骨的照片。”人类学家李奥纳·泰格（Lionel Tiger）则形容被佩恩拍摄的一次经历“就像泥土中的矿物被矿工开采钳出”，另一次则“感觉做自己似乎不够合适——一大波戏剧性向我袭来，而我只是平淡无味的散文。”
不过，除了上流社会和精英知识分子，佩恩也一直关注普通人群，用同样的风格拍摄了许多照片。他邀请服务生、邮差、面包师、水泥匠、小商贩、窗户清洁工、厨师等这些在城市中卑微、被忽略的人物拍摄黑白肖像。有视频档案显示，佩恩和助理于1971年在摩洛哥的一个广场上搭建了一个影棚，把镜头对准头戴黑巾的舞者、牧羊人、妆容整洁奔赴赶集的老者。摩洛哥民俗服装带来让人敬畏的神秘感，其实从1948年的秘鲁库斯科之行开始，佩恩就带着同样的移动影棚不断踏上行程，在空白背景前拍摄了普通库斯科人、吉普赛人、达荷美人、尼泊尔人、新几内亚人等非西方族裔。
科学家的严谨与画家的趣味虽然欧文·佩恩的时装摄影大多是黑白的，但他的静物摄影对于色彩的运用却十分出色，造型上充满了奇妙的矛盾——腐烂的水果、摔碎的盘子、甲虫、生蚝、烟头……组合在一起便呈现奇妙的美。
“即便是拍攝一块蛋糕，也可以产生艺术。”佩恩说。在他的镜头里，无论多么昂贵的高级时装，都和腐烂的水果一样，要遵从他的法则。包、花、华服构建的画面中，模特的脸是配角、是轮廓，而物品的细节表现，以及用光和构图，都透露着几近科学家的严谨和画家的趣味。
作为一位美学功底深厚的摄影师，佩恩曾经赴墨西哥，用一年时间磨练绘画技巧，并在这期间形成了自己对光线以及简洁风格的独特理解，这也成为其未来作品最重要的个人特质。佩斯画廊的展览中还展出佩恩一些1987年至2006年期间创作的绘画作品，突出了艺术家对材料、形式和颜色的态度。尽管在他的人生中部分绘画作品也曾被收录在一些画册里，但这些作为辅助理解佩恩的重要作品，在很大程度上仍未被大众所认知。
1970年代初期，由于时尚行业相对低迷，来自杂志的拍摄任务较少，佩恩关闭了曼哈顿的工作室，回到长岛家中潜心研究铂钯印相技术，本次展览收入的两张放大的烟头，折旧、污渍、商标字母清晰可见，是佩恩杰出的个人项目之一。这些从街头捡来的烟头，被放大被凝视之后，超越了物体的表象，成为1975年在纽约现代艺术博物馆（MoMA）展出的观念艺术作品。那也是佩恩的作品第一次在MoMA展出，而此时艺术家早已远离时尚的喧嚣，向所有人证明，唯有接近本质的事物可以达到灵魂之永生。
